Con questa nuova opera commissionata dalla Filarmonica della Scala per il suo quarantesimo anniversario, Giorgio Battistelli rinsalda il proprio rapporto con la compagine orchestrale milanese, per la quale nel 2004 quale aveva già scritto il brano Meandri.

Leone d’oro alla carriera di Biennale Musica 2022 e Accademico di Santa Cecilia dal 2004, è stato nominato Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres dal Ministero della Cultura Francese e Cavaliere di Gran Croce al Merito della Repubblica Italiana. I suoi lavori sono stati eseguiti, tra gli altri, presso i Festival d’Automne al Centre Pompidou di Parigi, i Festival di Salisburgo e di Lucerna, come anche nei più importanti teatri d’opera italiani – dalla Scala e dalla Fenice all’Opera di Roma – e internazionali, da Londra a Sydney, da New York a Pechino. 

Per questo nuovo ritorno della sua musica nella Sala del Piermarini il compositore ha dato vita a Toccata, un breve brano che ha la funzione di una vera e propria ouverture di un concerto, che in questo caso inaugura anche la nuova Stagione della Filarmonica. «Un’occasione importante che presenta esigenze ben precise, molto stimolanti dal punto di vista creativo», ci ha raccontato lo stesso Battistelli. «Venendo la richiesta da un grande musicista e direttore d’orchestra come Riccardo Chailly, ho voluto omaggiarlo creandone un piccolo “portrait”, un ritratto musicale che parte da due elementi stilistici riferiti all’arte del sommo Monteverdi. Il primo celebra la figura icastica e autorevole, ma anche pacata, del Maestro Chailly attraverso l’impronta più solenne e “inaugurale” della Toccata (pensiamo a quella dell’Orfeo poi confluita nell’incipit del Vespro della Beata Vergine), con gli ottoni in primo piano. Il secondo riporta direttamente alla dimensione più ritmica tipica dello “stile concitato”, con cui ho voluto esprimere l’aspetto più “tormentato” di Chailly, quello che nella mia immaginazione emerge dalle sue scelte di un certo tipo di repertorio, dalla profondità dello studio e dal pathos con cui investe le sue interpretazioni; un brulicare di tensioni che esplodono in un contrappunto denso che si sviluppa per circa tre quarti della composizione, attraverso variazioni continue con una pulsazione metronomica molto alta su cui si rincorrono tutte le sezioni dell’orchestra».

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L’oiseau de feu rappresenta il primo capitolo di quel meraviglioso trittico (completato da Petruška e Le Sacre du Printemps) che sancisce l’incontro di Igor Stravinskij con il teatro danzato. Il giovane e talentuoso compositore si imbatte in un genere che si rivelerà a lui particolarmente congeniale, libero da rigide tradizioni e ricco di enormi potenzialità; da questo felice connubio nasce così nel 1910 L’uccello di fuoco, un’opera cardine nella traiettoria creativa dell’artista, che segna l’inizio della sua lunga e fortunata collaborazione con la compagnia dei Ballets Russes di Sergej Djagilev e lo proietta trionfalmente sulla scena musicale internazionale.

L’argomento è basato su una fiaba popolare russa che narra di come Ivan, figlio dello zar, con l’aiuto di una penna d’oro dell’Uccello di fuoco da lui catturato e poi rimesso in libertà, salva l’amata Principessa dal malvagio mago Kastchei. La partitura è una delle più popolari di Stravinskij, che nell’arco di oltre trent’anni la riadatta in ben tre Suite differenti; la seconda – quella del 1919, strutturata in sei diversi numeri musicali – è la più frequentemente eseguita ed è quella prescelta per questo concerto.

All’Introduzione, in tempo lento, che raffigura il giardino incantato del mago Kastchei, fanno seguito la celebre Danza dell’uccello di fuoco con le sue Variazioni, attraversate dalle volate degli archi e dagli slanci impetuosi dei fiati; un motivo popolare di carattere elegiaco caratterizza invece la Danza delle principesse, in aperto contrasto con la Danza infernale del re Kastchei, il momento forse più avveniristico e “stravinskijano” della Suite, dominato da quei contrasti dinamici e da quella vivacità ritmica che sembrano presagire il futuro del Sacre du printemps. La sognante Berceuse – a descrivere il momento in cui l’Uccello di fuoco svela al principe il segreto per violare l’immortalità del perfido mago – prelude al grandioso Finale, una festa sonora in crescendo che rappresenta il sigillo d’autore con cui Stravinskij marchia... a fuoco questo suo primo, straordinario balletto.

Quando nel 1888 Čajkovskij mette mano alla Quinta Sinfonia il suo animo è tormentato da inquietudini e fragilità derivate da una serie di lutti e instabilità affettive che lo opprimono nel profondo; stati d’animo che lo spingono a concepire una sorta di “programma” per questo suo nuovo capolavoro, affidato a note autografe e appunti sui diari dove emerge il suo rapporto conflittuale con il Fato.
«Intera sottomissione al Destino o, ciò che è lo stesso, alle volontà insondabili della Provvidenza», scrive il compositore riguardo al primo movimento (Andante - Allegro con anima), che si apre appunto con il celebre “Tema del Destino” affidato ai clarinetti nel registro grave e destinato a ritornare più volte lungo l’intero svolgimento dell’opera. «Posso gettare me stesso nelle braccia della fede???», si domanda Čajkovskij (con tre punti interrogativi!) di fronte al secondo movimento (Andante cantabile), che scorre lento e inesorabile, inizialmente sospinto da un apparente flusso di serenità, prima del perentorio ritorno del motto iniziale, riproposto con forza dagli ottoni. Ed è sempre il “Tema del Destino” a turbare a tratti l’andamento conciliante dell’elegante Valse che smorza momentaneamente la tensione narrativa della Sinfonia per poi esplodere in tutta la sua drammatica potenza nel grandioso Finale, sospinto da un ineluttabile crescendo che coinvolge progressivamente tutte le sezioni orchestrali, fino alla perentoria e roboante chiusura conclusiva.